Skuespil

L'action se passe à la campagne, à 2 lieues de Paris. Le baron vient chez la comtesse pour y trouver son neveu qu'il sait amoureux d'elle. Le roi l'a chargé d'aller avec ce neveu, qui est marquis, à Gotha en Allemagne pour y complimenter la grande duchesse qui vient d'accoucher. Le marquis est la distraction même. Il perd la mémoire, confond toutes choses, oublie son ambassade, ne songe qu'à épouser la comtesse, et nous apprenons que celle ci est tout aussi brouillone que son fiancé. Tous deux s'adressent des reproches au sujet de leur quiproquos perpétuels, mais ils s'adorent comme cela. De péripéties en péripéties, le marquis distrait finira par nous confier que " On ne saurait penser à tout "... Interprètes : La troupe de la Comédie française

Le Tartuffe ou l'Imposteur est une comédie de Molière en cinq actes et en vers créée le 5 février 1669 sur la scène du Théâtre du Palais-Royal. Orgon est l'archétype du personnage de cour tombé sous la coupe de Tartuffe, un hypocrite et un faux dévot. Il est, ainsi que sa mère, Madame Pernelle, dupe de Tartuffe. Ce dernier réussit à le manipuler en singeant la dévotion et il est même parvenu à devenir son directeur de conscience. Il se voit proposer d'épouser la fille de son bienfaiteur, alors même qu'il tente de séduire Elmire, la femme d'Orgon, plus jeune que son mari. Démasqué grâce à un piège tendu par cette dernière afin de convaincre son mari de l'hypocrisie de Tartuffe, Tartuffe veut ensuite chasser Orgon de chez lui grâce à une donation inconsidérée que celui-ci lui a faite de ses biens. En se servant de papiers compromettants qu'Orgon lui a remis, il va le dénoncer au Roi. Erreur fatale : le Roi a conservé son affection à celui qui l'avait jadis bien servi lors de la Fronde. Il lui pardonne et c'est Tartuffe qui est arrêté. "Mais où sont les neiges d'antan... Cueillez dès aujourd'hui les roses de la vie... Madame se meurt, madame est morte... Il neigeait, il neigeait toujours...". Les pages qu'il faut connaître, parce qu'elles font partie intégrante du patrimoine de la France, que les jeunes par conséquent ont à apprendre - et y a-t-il procédé plus séduisant et plus efficace que d'entendre ces pages enregistrées dans la plus pieuse fidélité au génie créateur ? Les pages qu'il faut connaître.. et qu'en fait tant de Français et d'étrangers connaissent et savent par coeur ! Y aura-t-il pour ceux-ci émotion plus profonde que de réentendre ces textes essentiels, confiés à la voix de nos plus célèbres interprètes ?

Harpagon sacrifie tout ce qui l'entoure à l'objet unique de son attention : sa fortune, son bien placé ou ses pièces d'or enfermées dans sa 'cassette'. Il lui sacrifie sa progéniture ou ses domestiques, réduits à la mendicité et au vol, sa maison inconfortable à l'extrême, sa réputation comme son train de vie, sa santé. Il abandonne sa fille à son voisin Anselme, car celui-ci n'en exige aucune dot. Il se laisse dévorer par un désir paroxystique et paradoxal de posséder l'argent, de le saisir, de le manipuler pour ce qu'il représente : la promesse de pouvoir disposer de chaque chose et de chaque être. Il amasse par son argent les probabilités de jouir de tout, mais demeure incapable de passer à l'acte de la dépense et d'en profiter.

Кралят на Дания е убит, а синът му Хамлет трябва да изобличи убиеца. Клавдий, родният му чичо и брат на баща му, стои зад заговора. Тронът е останал в негови ръце и задачата да го спечели обратно се пада на Хамлет. Датският принц се зарича да отмъсти за баща си и с хитрост подмамва чичо си. В момента, в който мисли, че отмъщението е приключило, а убиецът ще заплати за измяната си, Хамлет допуска грешка и убива не краля, а съветника му Полоний. Трагедията достига своя апогей и смъртта се разстила над Елсинор. Уилям Шекспир е един от най-видните английски поети и драматурзи, живял в периода 1564 – 1616 год. Времето между 1585 и 1592 е т.нар. „изгубен период", в който няма никаква информация за живота и делото на Шекспир. Не е ясно кога започва да пише, но през 1592 год. негови пиеси вече се поставят на сцена в Лондон. Шекспир пише комедии, исторически драми и трагедии, като най-известните от тях - „Хамлет", „Ромео и Жулиета", „Макбет", „Отело" и др. са преведени на много езици. Голяма част от пиесите му остават популярни и продължават да се играят на сцена и до днес. Създадени са също различни екранизации и интерпретации по целия свят. С основание Уилям Шекспир бива наричан „национален поет на Англия".

A Florence, Lorenzo projette d'assassiner son cousin, le tyran Alexandre de Médicis, un butor débauché et cruel. Entre désenchantement et idéalisme, la figure complexe de celui que l'on surnomme Lorenzaccio a inspiré à Alfred de Musset ce chef-d'œuvre du drame romantique.

Phèdre aime le fils de son époux - Hippolyte. Une rumeur circule: Thésée, le roi d'Athènes est mort. Mais il est déjà trop tard. Avant d'avoir eu vent de la vérité, Phèdre s'est livrée tout entière à l'ivresse d'une passion aveugle. Thésée sait tout, et Hippolyte en aime une autre.Un modèle classique de la tragédie, «Phèdre» illustre la violence de l'abandon passionné - l'absence de raison en l'amour interdit.Jean Racine (1639-1699) est un dramaturge et poète français. Orphelin et destiné à la religion, il préfère la littérature. En 1665, «Alexandre le Grand» est un incroyable succès. Il est rapidement remarqué par Louis XIV. Racine entretient une relation tendue avec Molière, lui aussi à la cour. Suite à «Phèdre» en 1677, et des disputes, il abandonne peu à peu le théâtre, à regret, pour se livrer à l'historiographie. Ses dernière pièces ( «Esther», 1688, et «Athalie», 1691) sont quant à elles commandées par la femme du Roi.

Pièce de théâtre en un acte écrite par Napoléon Bonaparte en 1793, et interprétée içi par François Périer. Le Souper de Beaucaire est un pamphlet politique écrit dans sa jeunesse par Napoléon Bonaparte en 1793, sous la Terreur, qui venait d'être envoyé dans le Midi, et notamment à Toulon, par le gouvernement pour réprimer les révoltes locales. En juillet 1793, le capitaine Napoléon Bonaparte est officier d'artillerie, sous le commandement du général Jean-François Carteaux. Ils doivent reprendre un dépôt de munitions saisis par les insurgés. Le 24 juillet, Carteaux attaque et parvient à reprendre le dépôt aux mains de la Garde Nationale qui s'en était saisi, avec de nombreux morts. Napoléon est envoyé à Tarascon pour réquisitionner les voitures qui permettront de convoyer les munitions. En chemin, le 28 juillet, il s'arrête à Beaucaire et soupe avvec deux marchands marseillais, un Nîmois et un Montpelliérain. Napoléon expose avec ardeur, ses farouches convictions républicaines, en s'opposant aux affirmations de ses contradicteurs qui rejettent les décisions parisiennes de la Convention. Finalement, les ayant convaincus, ils scellent leur nouvel accord en buvant ensemble. Dans les jours qui suivent Napoléon aurait immédiatement écrit Le Souper de Beaucaire qui relate cette anecdote et cette controverse. Ce pamphlet sera remarqué par Augustin Robespierre, frère de Maximilien Robespierre, ce qui contribuera à l'avancement de l'ambitieux soldat, qui se verra confier la charge de l'artillerie durant le Siège de Toulon. Le livre sera édité officiellement en août 1798, et réédité en 1821, après la mort de Napoléon.

Le moulin de maître Cornille est le seul à tourner encore depuis que la machine à vapeur est arrivée. Depuis longtemps, plus personne ne lui apporte de blé mais les ailes du moulin continuent de tourner - n'y a-t-il pas anguille sous roche ? Cette nouvelle d'Alphonse Daudet a été publiée dans le célèbre recueil des Lettres de mon moulin, un classique de la littérature française pour petits et grands.

Les Fausses Confidences est une comédie en trois actes et en prose de Marivaux jouée pour la première fois le 16 mars 1737 par les Comédiens italiens à l'Hôtel de Bourgogne. L'idée de provoquer l'amour par de fausses confidences a été souvent mise en œuvre avant et après Marivaux. Cette comédie à l'intrigue bien conduite, sagement développée, aux caractères aimables et en relief, aux situations comiques et intéressantes n'ayant pas obtenu, à ses débuts, tout le succès qu'elle méritait, elle reçut néanmoins un accueil plus favorable à sa reprise au Théâtre-Français en 1793.

Seule comédie au milieu de la série des onze tragédies raciniennes, cette oeuvre a toujours été considérée comme une pièce à part, une réussite isolée difficile à classer. Certains manuels d'histoire littéraire n'en font même pas mention : comment l'insérer dans un chapitre bien ordonné sur la "vocation tragique de Racine" ? Comme chez Aristophane qui l'inspira, caractères et faits sont poussés au-delà du vraisemblable. Racine laisse au public le soin de discerner le vrai au travers du ridicule. Le style scénique et littéraire est celui des comédies à succès entre 1645 et 1675 On claque des portes à la figure des gens, on se poursuit, on se soufflette, on s'affuble de faux-nez, on se dispute, on grimpe sur les gouttières, on dégringole dans un soupirail, on crie très fort Rien n'annonce la retenue de Bérénice. L'extraordinaire fantaisie verbale dont font preuve nos personnages s'en sépare encore davantage ; mais on aurait mauvaise grâce à bouder devant cet étourdissant flot de paroles, ces tirades qui se répondent symétriquement, vont crescendo jusqu'à la cassure, prennent tantôt le rythme de la galopade, tantôt celui de l'emphase. On n'avait rien fait d'aussi bien dans le genre depuis Rabelais. Cette pièce d'un jeune auteur pleine de mouvement et de rires est jouée par une troupe jeune, le Centre dramatique de l'Ouest, dirigée et animée par Hubert Gignoux.

Les circonstances de la pièce : l'abbé Cotin n'était pas seulement un mauvais poète, c'est aussi pour Molière un homme dangereux. Aumônier du Roiet académicien, il avait demandé "aux autorités politiques et religieuses de sévir contre les comédiens...ces bouffons infâmes". Molière l'attaque de front. Sa pièce s'appelle d'abord Tricotin, il habille son personnage en scène d'un costume lui ayant appartenu réellement, acheté chez un fripier ; surtout il tire textuellement des oeuvres galantes de l'abbé deux poèmes dont il fait éclater la fausseté grotesque. La pièce : Si Molière s'en prend à un défaut, c'est d'abord comme toujours au mensonge, dont la préciosité pédante est à son avis l'une des formes les plus ridicules et des plus nuisibles. Mais, bien entendu, il nous en montre aussi très fortement les conséquences possibles sur les femmes, même s'il reconnait une certaine grandeur à Philaminte et Armande, malgré les traits dont il les crible. Mais Molière ne peut souffrir qu'on s'éloigne de la nature et du vrai, fût ce pour échapper à la vulgarité d'un mari. Réfugiée dans les fausses apparences du savoir et les extases du bel esprit, Philaminte n'est devenue qu'une orgueilleuse, une aveugle femme-dragon qui jette une bonne à la rue dans se soucier de ce qu'elle peut devenir, et qui va faire le malheur de sa fille cadette comme elle a déjà fait celui de sa fille ainé. Elle s'enfonce dans la sécheresse d'âme, comme la pauvre Armande dans ses obsessions et Bélise dans ses folies.

Deux jeunes seigneurs parisiens, La Grange et Du Croisy, quittent fort mécontents la demeure de Gorgibus, riche bourgeois de province arrivé récemment à Paris pour marier sa fille Magdelon et sa nièce Cathos. Les deux amants n'ont pas été jugés suffisamment à la mode par les deux jeunes filles. La Grange comprend aussitôt la source de ce mépris : les 'deux provinciales', éblouies par les belles manières des précieuses de la capitale, singent la vogue des ruelles, du romanesque et du bel esprit. L'amant éconduit décide alors de leur jouer un tour à sa façon.

Molière, l'Avare, IV, 7 - Harpagon : "Au voleur ! au voleur !". Le Misanthrope, I, 1 - Alceste : "Non, je ne puiss souffrir cette lache méthode...". I, 1 - Alceste : "Non, elle est générale, et je hais tous les hommes...". Beaumarchais, le Barbier de Séville, IV, 8 - Basile : "La calomnie, Monsieur !". Racine, Les Plaideurs, I, 1 - Petit Jean : "La foi, sur l'avenir bien fou qui se fiera....". Edmond Rostand, Cyrano de Bergerac, I, 4 - Cyrano : "Ah ! Non ! C'est un peu court, jeune homme !". II, 8 - Cyrano : "Et que faudrait-il faire ?".

Louis Jouvet, le grand comédien, s'amusait à répéter que l'Avare de Molière était un merveilleux vaudeville. Il est ainsi plus près de la vérité que ceux qui cherchent à dramatiser la pièce. S'il est vrai que certaines scènes opposant Harpagan et son fils paraissent frôler un tragique balzacien, elles ne donnent cette impression qu'à la reflexion ; dans le feu de l'action on n'y voit que de l'humour. Le génie de Molière est d'être arrivé à nous faire rire franchement avec un personnage qui n'est pas drôle en lui même. L'avare est une comédie d'action. L'action de l'Avare c'est la montée des espoirs du vieillard sordide et amoureux, c'est l'alternance des éléments favorables et des obstacles qu'il rencontre, c'est sa volonté de plus en lus ferme de s'assurer en même temps la possession de Marianne et l'accroissement de ses revenus, sans jamais sacrifier l'un à l'autre, c'est l'identification qu'il arrive à faie entre ces deux possessions de sorte que la perte de sa cassette signifie la fin de son amour, et que la cassette retrouvée le console de l'amour perdu. La pièce demeure ce qu'elle est : une unité comique.

The Cid, an Arab nickname meaning "the Lord", has been called the "most famous Spaniard of all time". Rodrigo Diaz de Vivar was a Castillan military and political leader in medieval Spain. He was an outstanding general, first leading the Spanish against the Moors in victorious battles, then working as a mercenary-general for whoever would require a war won. He eventually captured the city of Valencia, keeping it to himself and ruling it until his death. His remarkable military ability made him the legendary national hero of Spain. He remains an idolized figure in Spain, and his name has been immortalized in every form of story. Rediscover a hero's tale, the story of a central figure in Spanish history; enjoy the legend and gain a better understanding of the political struggles of the time with this lively and precise audiobook.

Have you ever been to a King Lear performance with the impression of not having understood everything? It's normal. Shakespeare's plays are the most beautiful of the theatrical repertoire, but you can not go to a Shakespeare play if you do not have a minimum prepared this show: understand the issues, characters, context, cultural references or historical is indispensable. The same is true if you intend to read a play by William Shakespeare: our summaries will help you better understand what you have read. The list of the 9 Shakespeare masterpieces with summaries to listen : Hamlet, Prince of Denmark ; Romeo and Juliet ; King Lear ; The Merchant of Venice ; Macbeth ; Othello ; As you like it ; The Tempest ; Midsummer nights dream. Shakespeare is regarded as the greatest writer in the English language and the world's best dramatist. His plays have been translated into every major language, and are the most performed ever. His work contains stunningly modern insight, witty jokes and soaring passion; it is an endless source of amazement and inspiration.

Deuxième grande tragédie de Racine, dont le sujet est pris dans l'histoire romaine. Cette interprétation par la Comédie-Française est mise en scène par Michel Vitold ; réalisation sonore : Paul-Emile Deiber.

Au lendemain de la guerre de Troie, Pyrrhus, fils d'Achille, revient victorieux avec pour prisonniers Andromaque, la veuve éplorée d'Hector, et son fils Astyanax. Mais, alors qu'il doit épouser Hermione qui l'aime éperdument, il s'enflamme pour sa captive. Or, le fils d'Agamemnon, Oreste, amoureux transi de sa cousine Hermione, est envoyé par les Grecs à la cour de Pyrrhus pour y réclamer Andromaque et assassiner Astyanax. Pyrrhus refuse d'accéder à la demande d'Oreste et promet à Andromaque de sauver son enfant si elle consent à l'épouser. Pyrrhus trahira-t-il sa patrie pour se faire aimer ou sacrifiera-t-il le fils de sa prisonnière aux intérêts de la Grèce ?

Les circonstances : depuis 1636, la France et l'Espagne se disputent l'hégémonie européenne dans une guerre sans merci. Les deux Etats ont la même religion, le même régime politique et social ; les deux rois ennemis sont doublement beaux-frères ; les officiers qui se font face sont souvent proches les uns des autres par le sang ou les alliances, l'amitié, les conceptions de la vie...Ils s'entretuent quand même. Corneille, lui, après deux ans de silence, écrit Horace et le dédie à Richelieu. Horace est une oeuvre de guerre. La pièce : Entre Albe et Rome, c'est la même lutte fratricide au nom de l'honneur, de "l'ambition de commander aux autres". Corneille y exalte le courage physique et moral, le dévouement absolu à la patrie, la raison d'Etat. Mais il ne farde rien. Il crée trois personnages complexes et saisissants : Horace, le héros qui devient criminel. Admirable à coups sûr par sa rigueur logique, sa certitude que pour bien agir il faut agir avec tout soi-même, son effort total pour se mettre au niveau de la tâche qu'il assume ; mais haïssable au même degré par son fanatisme, son culte de l'obéissance aveugle. Curiace, le guerrier déchiré qui fait perdre son pays : tendre, compréhensif, "humain", dont les conceptions sont incontestablement supérieures sur presque tous les points à celles de son rival, mais qui n'arrive pas à choisir. Camille enfin, digne soeur d'Horace et la seule capable de le battre, lui prouvant par "d'infaillibles marques" que l'amour comme la patrie peuvent susciter le sacrifice total de soi. Et Corneille réussit encore à placer au dessus de ces trois héros un patriarche qui finalement les domine tous : le vieil Horace, d'une force de sincérité tellement poignante qu'il parvient à paraitre et à reste véritablement humain malgré les affirmations les plus odieuses, à demeure dans notre souvenir comme l'une des plus belles incarnations de l'amour paternel. L'oeuvre la plus engagée de Corneille se trouve ainsi, paradoxalement, celle où il démysthifie le plus la gloire, celle où il nous fait le mieux comprendre dans tous les personnages, malgré les apparences, le prenier devoir de l'homme : rester un homme.

Créé le 23 janvier 1730 par les Comédiens Italiens, le Jeu de l'Amour et du Hasard était la onzième pièce que Marivaux confiait à cette compagnie. Au dire du Mercure, elle remporta un très grand succès. Sitôt après l'absorption du Théâtre-Italien par l'Opéra-Comique, comme le Jeu de l'Amour et du Hasard attirait encore des spectateurs, les Comédiens royaux décidèrent de le mettre à leur affiche ; mais, malgré la précaution qu'ils prirent de changer le nom d'Arlequin en celui de Pasquin - car alors aucun d'eux n'eût accepté de revêtir le costume bigarré de ce personnage de la comédie italienne, - l'ouvrage parut trop léger dans le cadre sévère et pompeux de la première scène française et choqua ses habitués. Représenté seulement de loin en loin, à partir de 1796, le chef-d'oeuvre de Marivaux ne tarda pas à sombrer dans l'oubli En vain Mlle Desroziers essaya-t-elle de l'en tirer, pour ses débuts, le 25 août 1802. C'est seulement dix ans plus tard que le Jeu de l'Amour et du Hasard put être repris et s'inscrire au répertoire de la Comédie Française, sous l'influence de charmants auteurs, tels que Lebrun et Hoffmann, qui, s'inspirant de la formule si injustement discréditée de leur devancier, avaient créé tout à la fin du XVIIIe siècle et à l'aube du XIXe ce genre charmant : la comédie, à la fois d'intrigue et d'amour, dite "marivaudante" ; et grâce aussi à la célèbre sociétaire, Mlle Mars, laquelle, ayant trouvé dans le personnage de Silvia son rôle préféré, le joua sur le Théâtre-Français, de 1812 jusqu'en 1841, avec le plus vif succès.

La fondation du Théâtre National Populaire ajouta une dimension au théâtre français d'après-guerre, celle de la jeunesse - celle peut-être aussi, de l'enthousiasme. Du jour au lendemain, il fut admis que les héros de Corneille pouvaient, ou peu s'en faut, avoir l'âge des comédiens, et qu'entre le public et la scène devait s'établir une communion d'intérêt, n'ayant d'autre centre que la pièce elle-même, servie avec la même foi par comédiens et spectateurs. Si bien que l'on en vint, entre autres, à prendre le théâtre classique au sérieux, que pour la première fois depuis longtemps, des jeunes gens de 1950 purent s'identifier à Rodrigue, des jeunes filles à Chimène. Ce qui, jusque-là, demeurait tirade devient chair et sang ; le musée s'ouvrit à la vie, le plan scolaire rejoignit le plan humain. Et d'un seul coup, l'éternelle jeunesse du Cid sautait aux yeux, l'aspect moderne des préoccupations cornéliennes frappait d'ébahissement les publics les moins initiés. Car en somme, quelle est la cible de Rodrigue et de Chimène, sinon de se réaliser, et viser la seule réocmpense de qualité, en un siècle d'angoisses et d'incertitudes : la gloire, qui s'attache à tout être qui se dépasse ? Transposez Rodrigue et Chimène au XXe siècle : ils forcent le mur du son, ils ravissent l'auréole du Kon-Tiki et de l'Annapurna, ils bondissent dans le cosmos. La vertu de cet humanisme sportif n'a pas échappé à notre jeunesse. Eprise d'absolu et non de formalisme, d'universel et non de confiné, elle a senti que, par-delà toutes les servitudes des morales particularistes, Le Cide instaurait de façon définitive une certaine religion de l'homme. Homme de tous les siècles, pas plus Français qu'Espagnol, Rodrigue "fait son acte" comme l'Oreste de Sartre le ferait encor s'il avait à le faire, tant il est vrai que lucidité et raison sont à la base de cette inébranlable volonté. Mais l'homme n'est pas que muscles et sang-froid ; il est tendresse et émotion, et c'est de ce complexe que naît l'essence dramatique du héros. Scènes d'intimité, confidences, monologues, replacent les thèmes généraux dans un contexte privé. Ces hommes, ces femmes ne sont pas des statues allégoriques, c'est vous, c'est moi, avec nos souffrances et nos espoirs.

"Un mois à la campagne" est la pièce la plus célèbre d'Ivan Tourgueniev. Stanislavski en disait qu'elle "repose sur le méandres les plus subtils de l'expérience amoureuse". Cette comédie de moeurs met en scène la ravissante Natalia Petrovna, qui s'ennuie auprès de son mari ; son quotidien morose la mène à rêver d'une passion dévorante qui pourrait l'en sauver. L'amour naissant entre sa pupille Vera et un jeune étudiant sera le déclencheur d'une série de manipulations inconscientes nourries par la jalousie et les bouleversements amoureux.

Le héros descend dans le comédien comme l'esprit dans les apôtres...Mais jamais il ne s'incarne. L'irréalité est sa nature. 1. Prologue de l'impatience (Bruscambille) par Louis Jouvet. 2. Le Médecin malgré lui (extraits) de Molière. Avec Louis Jouvet, Yvette Etiévant, Pierre Bertin. 3. La jalousie du barbouillé (extraits), de Molière. Par Louis Jouvet et Fernand René. 4. L'école des femmes (extraits), de Molière, avec Louis Jouvet et Dominique Blanchar. 5. Stances à Marquise, de Pierre Corneille, par Louis Jouvet. 6. Les enfants humiliés, par Georges Bernanos. Lecture d'extraits par Louis Jouvet. 7. Tartuffe (extraits), de Molière, avec Louis Jouvet et Monique Mélinand. 8. Récit de la mort de Molière, extrait de "Vie de monsieur Molière" de Grimarset, lecture par Louis Jouvet. 9. Les cinq tentations de la fontaine, par Jean Giraudoux, lecture d'un extrait par Louis Jouvet. 10. Knock ou le triomphe de la médecine (extrait), de Jules Romains, avec Louis Jouvet et Jean Brochard. 11. La Folle Journée (extrait), d'Ele Mazaud, avec Louis Jouvet, Pierre Renoir, Anne Carriel. 12. Louis Jouvet : Introduction à Giraudoux, par Louis Jouvet. 13. Intermezzo (extraits) de Jean Giraudoux, avec Louis Jouvet et Valentine Tessier. 14. Jean Giraudoux, scène extraite de Visitations, ouvrage publié en Suisse pendant la guerre, avec Louis Jouvet et Michel Etcheverry. 15. Ondine (extrait), de Jean Giraudoux, avec Louis Jouvet et Dominique Blanchar. 16. La Guerre de Troie n'aura pas lieu (extraits), de Jean Giraudoux, avec Louis Jouvet et Pierre Renoir. 17. Pierre Renoir présente et lit des extraits de la dernière lettre qu'il reçut de Louis Jouvet.18. De Molière à Giraudoux, conférence prononcée à Boston le 3 mars 1951.

You know that thing when you have an incestuous relationship with your daughter, but you don’t want anyone to know about it, so you disguise the truth in a riddle and make her suitors guess its meaning? No? Well, that’s what the king of Antioch is up to. Guess correctly and marry the princess, he says. Get it wrong and be killed. Today we might shake our heads and wonder why the King didn’t just keep his mouth shut instead of broadcasting his dirty laundry in rhymes, but young Pericles is the only one to actually guess the hidden meaning of the riddle. And guess what. It’s a trap! With assassins on his tale he flees for his life, taking the reader on a journey that spans more years and countries than your typical Shakespeare play.Adventurous, romantic and funny, Pericles, Prince of Tyre is bound to keep you entertained. T.S. Eliot loved it so much he based a poem, Marina, on it. To add to its intrigue, it is believed that Shakespeare share the writing credit with George Wilkins – can you tell who wrote which parts?William Shakespeare (1564-1616) was an English playwright, poet and actor. Regarded as the greatest playwright in the world and the greatestEnglish languagewriter, her wrote poems and sonnets, and also comedic, tragic and historical plays such as "Hamlet", "Othello", "King Lear", "Much Ado About Nothing", "A Midsummer Night's Dream" and "Macbeth". Incredibly influential and popular, he also invented numerous words and phrases.

En un carrer de Barcelona viu una petita comunitat de comercials i veïns. En Fernando està enamorat de l'Emilia, la filla del barber. Però es trobarà que conquistar el seu amor és molt més complicat que mai amb el Mariano, un noi sense ofici ni carrera, rondant-la. Una comèdia d'embolics amorosos, gelosia i drames que viurà, de fons, un procés electoral per escollir l'alcalde del barri.Teodoro Baró i Sureda (Figueres, 1842- 1916) va ser escriptor, polític, advocat i periodista català. Tot i que la seva carrera va estar centrada principalment en el periodisme i la política, va publicar diverses més de trenta obres de poesia, teatre, novel·la i no-ficció. Com a periodista, va ser el director de medis com el Diari de Barcelona i també va desenvolupar una carrera política en el Partit Liberal, amb el qual va ocupar diversos càrrecs a vàries ciutats espanyoles.

La Tramontana és una obra de teatre dividida en tres actes i estrenada al Teatro Principal de Barcelona, que mostra la vida en un poblet de costa. Una boda s'està preparant al poble, entre la Pubilleta i l'hereu Fornellá. Però el que sembla un esdeveniment feliç comença a enredar-se quan alguns homes del poble declaren el seu amor per la noia. A qui pertany el seu cor? Una obra dramàtica amb tocs de comèdia.Teodoro Baró i Sureda (Figueres, 1842- 1916) va ser escriptor, polític, advocat i periodista català. Tot i que la seva carrera va estar centrada principalment en el periodisme i la política, va publicar diverses obres de poesía, teatre, novel•la i no ficció, amb més de trenta llibres. Com a periodista, va ser el director de medis com el Diari de Barcelona, a més d’ocupar diversos càrrecs polítics, vinculat al Partit Liberal.

Divertida trama de enredo amoroso con la chispa y la agilidad de palabra a la que nos tiene acostumbrados su autor, el dramaturgo Manuel Bretón de los Herreros. La disipada doña Ana vive una vida entregada al ocio y a las fiestas, para desesperación de su marido. Sin embargo, lo que no sospecha el marido es que Ana ve cada vez con mejores ojos al libidinoso don Diego, asiduo a sus fiestas y a su compañía.Manuel Bretón de los Herreros fue un dramaturgo y poeta español nacido en Quel (Logroño) en 1796 y fallecido en Madrid en 1873. Periodista errante hasta afincarse por fin en Madrid, se especializó en el teatro y llegó a formar parte de la Real Academia. Sus obras teatrales le granjearon no poca fama en el Madrid de la época, llegando a escribir más de 360 títulos. Se le recuerda como uno de los dramaturgos más prolíficos y relevantes de su tiempo.

Una obra que reinterpreta, en el marc de les Vespres Sicilianes, la tragèdia de Joan de Proixida. El noble sicilià exiliat abandona la seva terra per demanar ajut contra Carles d'Anjou, un rei imposat pel Papa per governar el seu territori. D'aquesta guisa acut a en Pere III i a Catalunya, ja que la considera "terra de llibertats". És aquest un dels temes principals en l'obra de Balaguer: la llibertat del poble i la seva defensa contra el poder dels reis.Víctor Balaguer (1842-1901) va ser un dels principals impulsors de la renaixença catalana. Orador, escriptor i activista, va lluitar en el terreny cultural i literari per promocionar la llengua. Va engegar molts projectes, dels quals destaca la creació de la Societat Filharmònica i Literària, amb la qual va promoure la celebració d'uns Jocs Florals. Va ser nomenat cronista de la ciutat de Barcelona i es va encarregar de nomenar alguns dels carrers de la ciutat amb noms de personatges històrics.

La colección más completa de la obra poética de García de la Huerta. El libro recoge algunas de sus poesías más conocidas, sonetos, idilios y cantos. Muchas de las obras incluidas en este volumen fueron encargos reales para ensalzar la geografía y cultura española. También incluye romances, poesía burlesca, poesía en latín, traducciones de autores clásicos y obras sueltas del autor como Endimión, un poema épico.Vicente García de la huerta (1734-1787) fue un poeta y dramaturgo español. Inició sus estudios en la Universidad de Salamanca, hasta que su protector, Duque de Alba, lo ayudó a entrar en varias academias de letras y artes. En 1766 tuvo que huir a París, donde fue espiado por la embajada española. No fue hasta 1777 que pudo volver a Madrid. García de la Huerta estaba muy interesado en reavivar el teatro español y para ello creó una antología de teatro clásico que levantó muchas quejas al dejarse a autores esenciales como Lope de Vega o Tirso de Molina. Murió en Madrid.

Esta obra contiene dos obras de teatro del escritor uruguayo Yamandú Rodríguez: «1810», poema dramático en dos actos y «El milagro», poema en un acto. «1810» tuvo un gran éxito a pesar de que su autor era poco conocido, se trata de un poema que enaltece el patriotismo argentino a través de una historia de amor.Yamandú Rodríguez (1891-1957) fue un poeta, dramaturgo y narrador uruguayo. Ganó fama tanto en Argentina como en Uruguay gracias a la representación de sus obras, la publicación de sus cuentos en diferentes revistas y a que sus poemas eran recitados habitualmente en público.